INTRODUCCIÓN:

Contemplando la amplia variedad de instituciones que existen actualmente para poder estudiar actuación en la cuidad de México, creemos que es de gran importancia estudiar el perfil académico de las mas sobresalientes, ya que el énfasis que se le da a determinadas materias, así como los métodos de actuación empleados en ellas, determinan el tipo de actor que egresará y que formará parte esencial en el futuro de la producción artística de nuestro país, misma que actualmente se encuentra en crisis, existiendo una tiniebla que lo ha dejado en segundo termino, siendo éste la vida misma, reinando un conformismo y un desinterés por encontrarnos día con día a través de la cultura, lo que afecta a toda la sociedad ya que limita la capacidad de reflexión y por consiguiente, el progreso.
Así, la utilidad de esta investigación será la de informar y orientar a los aspirantes a éstas escuelas para que escojan con seguridad la mas adecuada a sus necesidades y a sus expectativas como futuros artistas.

Para ser más concretos y directos en el objetivo propuesto, nuestro trabajo se divide únicamente en dos capítulos.

En el primero titulado “La actuación” está dividido en los dos subtemas siguientes:
“Teatro, el surgimiento de la actuación” en el que para tener una mayor claridad sobre qué es un actor, se habla sobre su origen formal: el teatro, tocando su nacimiento en Grecia y Egipto, su evolución a través del tiempo y el espacio, sus principales difusores y su aceptación en la sociedad.

El segundo subtema es “La actuación como arte” en el que se abordan las definiciones y pensamientos de grandes personalidades de la historia teatral y estudiosos del proceso que debe seguir un actor para considerarse un verdadero artista tales como Strasberg y Stanislavski, la transformación histórica del actor y su degeneración a raíz del surgimiento de nuevos medios como el cine, la televisión y la radio.

En el segundo capítulo que es necesariamente más extenso, se presenta el resultado de visitas a las escuelas de enseñanza actoral en la ciudad de México que consideramos las más sobresalientes, en las que realizamos entrevistas a alumnos y algunos maestros de la carrera de actuación para poder conocer lo que piensan personalmente del teatro, del actor en la sociedad y sobretodo por qué están estudiando teatro y la razón de haber escogido la escuela en la que se encuentran además de conocer su plan de estudios y objetivos artísticos. También refiere la breve historia de las instituciones, sus fundadores y su transformación en el tiempo.




Capitulo 1
La actuación.

Teatro, el surgimiento de la actuación.

La actuación es una manifestación artística que tiene su origen y desarrollo fundamental en el teatro. La palabra teatro deriva del griego Theatrón o theomain que significa mirar. En un principio la definición general era que “teatro es todo aquello que se haga con el fin de representar obras dramáticas”, sin embargo en la actualidad han surgido definiciones y pensamientos que van más allá de la anteriormente enunciada

El arte teatral se fundamenta en elementos biológicos, psicológicos y culturales que conforman una herencia milenaria en constante trasmisión y transformación, para lo cual se vale de ciertos lenguajes: la palabra escrita y hablada, el manejo de elementos visuales, kineticos , sonoros y espaciotemporales; de estas bases se parte para decir que el teatro es “un arte total”. A través de él se puede encontrar: excitación, una descarga emocional, exaltación, conocimiento y/o una escapatoria.

Su origen se pierde en el tiempo, pero encontramos noticias de que el hombre primitivo realizaba representaciones de tipo ritual a partir del momento en que logra una división social del trabajo.
La más antigua manifestación de arte representacional es el rito, rito es todo aquello que se hacía y hace con fines de culto y se determina por la religión en la que se desarrolla. Una practica que hace posible la materialización de sentimientos e ideas abstractas y mímicas. En el rito, la actuación se vuelve una posesión que puede llegar al trance. En un sentido más estricto es por ello que se considera la misa como teatro ritual. En el caso de un chamán por ejemplo, se es posible estar poseído sin perder la conciencia de las propias acciones. Hace un “viaje” utilizando el canto, la danza, el vestuario y relato de cuentos. Aquí el público está comprometido a un nivel de participación muy profundo. Desde este punto de vista el chamanismo puede ser considerado la técnica más antigua de representación actoral.

Una de las virtudes del teatro al incorporar técnicas rituales es que se usa un lenguaje simbólico que transgrede al inconsciente e invita al espectador a un proceso de introspección que no es posible con los medios de comunicación masiva u otros meramente informativos.

En la antigüedad griega y romana los actores podrían ser una continuación de los antiguos ‘aedos’ y rapsodas. Los tratadistas pretenden que el actor, en el sentido moderno de la palabra, nace en el siglo VI antes de Cristo cuando Tespis de Icaria, personaje de características absolutamente legendarias, cuya verdadera existencia histórica es muy difícil de probar, inició el drama trágico separado del coro ditirámbico al protagonista o primer actor. Esquilo (525-456) introduciría un segundo actor o deuteragonista y Sófocles (496-406), un tercer comediante o tritagonista. En la antigüedad ninguno de los géneros conocidos: el trágico, el cómico y el satírico, utilizó mas de tres actores.
En la Antigua Grecia los actores gozaban de una muy consideración social. Solían recibir sus honorarios del Estado y gozaban de privilegios muy particulares, como por ejemplo, la exención del servicio militar y una inmunidad absoluta que, en tiempos de guerra, le permitía transitar con toda libertad por territorio enemigo.
En la Antigua Roma el actor pierde dignidad y no está considerado como un ciudadano de primer orden, muy al contrario, el oficio de actor tenia connotaciones infamantes y estaba prohibido a los ciudadanos romanos, bajo la pena de perder todos sus derechos civiles. Eran actores sólo los esclavos y algunos libertos. La mujer tuvo difícil acceso al teatro romano y sólo hizo su aparición en el momento del Bajo Imperio.
Durante el periodo bárbaro y en la Edad Media, los actores aún fueron peor considerados que en Roma. El comediante era objeto de anatemas y se le consideraba instrumento del demonio, no sólo porque acostumbraba a mostrar escenas que chocan con la moral ambiente, sinon porque se le veía como un último representante del paganismo que se pretendía erradicar. Entre los actores medievales sólo los Minstrel ingleses, que florecieron entre el siglo XI y XV, consiguieron algún reconocimiento social. La iglesia consiente del peligro que constituían las compañías de actores, organizó representaciones teatrales que llevaban a cabo los propios miembros de la iglesia que, mas tarde, fueron substituidos por actores aficionados afiliados a las cofradías religiosas. En la Edad Media los actores profesionales se reducen a ser juglares, trovadores, acróbatas, bailarines, cantantes, recitadores de chistes, etc.
Cuando los espectáculos sacros se fueron convirtiendo en espectáculos ciudadanos, el teatro volvió a necesitar la participación directa de los actores profesionales, pero de hecho, la verdadera profesionalidad del actor no se produce en el periodo humanista italiano sino en las representaciones populares de la Commedia dell’ Arte. Se crean compañías de nobles e el siglo XV y XVI que no eran sino continuación o derivación del teatro de los gremios y de las cofradías medievales.
La Commedia dell’ Arte viene a constituir el centro neurálgico expresivo del arte del actor y crea, desde la real base del pueblo bajo, una forma teatral con la que se opone a las grandes cimas del teatro noble, estudiantil y académico. No sólo es la única forma popular creada por el pueblo, sino que s la zona expresiva en donde el actor encuentra la posibilidad de afirmar su absoluta autoría como responsable del espectáculo. Expresa también las mas personales manifestaciones de la cosmovisión latina. Utiliza también la improvisación.
La Commedia pasó por varias etapas y fue superviviendo y en realidad aún vive.
Entre los personajes de la Commedia dell’ Arte uno de los mas especiales es el Arlequín, calificada como una de las figuras más mágicas jamás creadas en el mundo del teatro y sigue viviendo en una u otra encarnación en el teatro del siglo XX.
Stanislavski utilizó la técnica de improvisación como base fundamental para su método, mientras Konstantin Micewski intentó en su “teatro antiguo” de Moscú reencontrar los perdidos secretos de la commedia.
La importancia hoy en día de la Commedia dell´Arte es que ha servido de base al sociodrama, al psicodrama y , muy especialmente a la creación colectiva que llevan acabo algunos de los conjuntos teatrales de Latinoamérica y que constituyen una nueva manera de afrontar el hecho teatral.

Debido a la ausencia de material físico como manuscritos, la historia del teatro es bastante incierta, muchos están de acuerdo en poner su origen en el himno de coral que se hacía en honor a Dionisio. Se considera como el primer autor lírico formal a el músico-poeta Arión, el año 600 antes de Cristo.
La tradición dice que el primer actor fue un miembro del coro proveniente del Ática que salió de él para hacer de narrador y hasta realizar representaciones, con lo que comenzó algunas giras en un carro haciendo su espectáculo en otras ciudades, su nombre era Tespis.
Tres siglos después de Tespis, Atenas se convirtió en la capital del teatro, que era para sus habitantes de vital importancia ya que representaba el clímax de un ritual religioso y cívico.
El primer concurso dramático se fecha comúnmente dentro de la LXI olimpiada (536-533 a.C.)

Sin embargo, debemos mencionar al poco conocido teatro egipcio, ya que durante mucho tiempo se ignoró la existencia de éste, que fue descubierto hace pocos años, siguiendo la evolución del arte teatral en el valle del Nilo y que les restituye descubrimientos que se creían anteriormente griegos. El hecho más conocido es que en las fechas clave de la leyenda de Osiris tenía lugar una importante escenificación en la que los sacerdotes representaban a la familia de éste.
Pero aún más sorprendente e importante es el descubrimiento del libreto de una representación que demuestra que mil años antes de Esquilo, el teatro egipcio alcanzó la cúspide del teatro griego. Grecia no tenía más que seguir las huellas del teatro egipcio.

En el año 514 de Roma, Livio Andrónico, griego de origen, compuso una acción dramática total en la que mezclaba poesía, música y saltación o arte de hacer gestos (Saltus de Arcadia fue el primero en enseñar este arte a los romanos, de aquí el nombre). Estos saltadores o histriones (la palabra hister viene del toscano y quiere decir saltador, o procede de un famoso saltador de Etuiria: Hister) mantuvieron ellos solos la débil llama del teatro en el periodo post-alejandrino.

Debido al poder de reflexión y critica que el teatro genera en el espectador, se ha tenido que enfrentar desde hace siglos contra un poderoso obstáculo: la censura.
Ésta proviene básicamente de dos sectores; el religioso, cuando se aborda la temática sexual y moral, “Un cristiano debe alejarse de los espectáculos, porque son contrarios a la verdadera piedad y al culto sincero que debemos a Dios[...]son parte de la idolatría y de las pompas del demonio[...]no hay allí placer sin pasión; la pasión arrastra la emulación, la cólera, el furor y todas estas secuelas que no convienen a nuestra disciplina.[...]la impudicia del teatro, donde se realizan en público todas las infamias que es normal ocultar cuidadosamente. Resulta absurdo, pues, buscar afanosamente en los Espectáculos lo que en la vida corriente produciría vergüenza u horror.[...] El Teatro representa sólo acciones criminales, de furor en la Tragedia, de libertinaje en la Comedia. [...]La ley de Dios ha lanzado su maldición contra las mascaras y, sobre todo, contra los hombres que se visten de mujeres. [...] Una mujer que va al Teatro, vuelve de él poseída por el demonio.”1 y el político cuando se desprenden acciones contra algún miembro del estado. Esto ha sido un serio obstáculo que afecta a todos los escalones de la producción teatral y degenera la comunicación y la relación dramaturgo-actor-espectador.

Actualmente aparentemente no existe la censura pero existe el gran monstruo de los reality show que enajenan a nuestra sociedad. A lo largo de las guerras y conflictos políticos mundiales han sido perseguidos aquellos que se oponen o que no conviene que su voz pueda ser sonada para aquellos que nos controlan y se han apoderado poco a poco del mundo, así como dominado, está el ejemplo de numerosos dramaturgos como Federico García Lorca, así como literatos y muchos mas artistas que tienen voz, y siempre seguirá la batalla por querer callarse unos a otros.
En México socialmente no es diferenciado el Teatro comercial con el teatro artístico, y por ende el labor y valor que la actuación tiene en cada uno.
Pues existe un problema de cultura en que está en la cuerda floja, es causa de los Teatros vacíos y consecuencia de precios elevados, en cambio pueden venderse más caros unos boletos con el manejo publicitario y promoción de los actores de las telenovelas, a pesar de la crisis económica también existente, así es posible llenar estos teatros en que el único fin es un espectáculo con el objetivo de vender y divertir utilizando símbolos comerciales, es éste el denominado teatro comercial, pues no va mas allá, es posible que la sociedad Mexicana hayamos caído en lo mas superficial y nuestra apatía y conformismo vaya incrementando, ya que lo que nos ayuda a pensar- reflexionar sea motivo de alejamiento, es así que no existe un apoyo directo al Arte en general en este país.

Ésta y muchas otras razones han llevado al teatro mundial a una decadencia continua, Antonine Artaud, por ejemplo, pensaba que por causa de la desmoralización actual y los desvelos de una cultura que nunca acompañó su ritmo de vida y que en los hechos la exprime, ha logrado que el interior de nuestra existencia no retenga ciertos hechos, por ello, se ve también afectado el teatro.
A pesar de que en la vida estamos sujetos a la sugestión y nos vamos llenando de prejuicios, en el teatro existe la necesidad de rescatar la magia ausente de prejuicios y sin limitaciones absurdas.



La actuación como arte.

Philip Weismann pretendiendo dar un enfoque psicoanalítico dice que “El arte es un mundo de comunicación y creación, y el vehículo instintivo para esa creación es el impulso exhibicionista. Sin embargo, el actor utiliza su cuerpo, sus partes, como instrumento artístico, ya que son los instrumentos exclusivos de su creatividad, su exhibicionismo es instrumento personal y único”.
El actor de Teatro tiene que definir su estar ahí como actor en el momento en que vive, en un presente concreto y determinado. También funciona como intelectual en el momento en que es capaz de arriesgarse a posiciones estéticas, políticas, y éticas diferentes de las definidas por la clase dominante; es también cuando se atreve a investigar nuevos caminos, cuando sabe intuir la marcha futura del mundo del teatro.
Cuando el actor está en acción “es un espejo siempre, dispuesto a mostrar los objetos y a mostrarlos con la misma precisión, la misma fuerza y la misma verdad. Como el poeta, va siempre a buscar el fondo inagotable de la Naturaleza, en lugar de acudir a su propia riqueza, cuyo término no tardaría en ver .”2

Para Héctor Mendoza Actuar es “reaccionar activamente a estímulos ficticios”. Para Federico García Lorca el teatro es “la poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse, habla y grita, llora y se desespera. El Teatro necesita que los personajes que aparezcan en la escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo se les vean los huesos, la sangre. Han de ser tan humanos, tan horrorosamente trágicos y ligados a la vida y al día con una fuerza tal, que muestren sus tradiciones, que se aprecien sus olores y que salga a los labios toda la valentía de sus palabras llenas de amor o de ascos ”. Para Jean-Paul Sartre la esencia del teatro es “una imagen, y los gestos son la imagen de la acción. La acción dramática es la acción de los personajes, y ello no implica que esta sea sinónimo de gran movimiento, de gran ajetreo o de algo tumultuoso e insoportable.” “...también es movimiento y acción, solo que, de hecho, la acción propiamente dicha es la del personaje. En el teatro no hay otras imágenes que la imagen del acto. Y si uno quiere saber lo que es el teatro, debe preguntarse sobre lo que es un acto, porque el teatro representa el acto y no puede representar otra cosa. Así como la escultura representa la forma del cuerpo, el teatro representa el acto de este cuerpo”
Un buen actor debe estar dotado completamente de sensibilidad y sentir lo que interpreta cada vez que lo hace, cada vez que vive, necesitando una concentración continua de nuestros hechos, para así retomar o ignorar lo vivido en situaciones necesarias, esto bajo una labor de creación subconsciente. Este tipo de creación fue difundida por el ruso Stanislavski según el cual en el arte actoral se crea primero concientemente para preparar el surgimiento del subconsciente, que es la inspiración. La formación actoral se debe adaptar nuestras características humanas para aplicarlas en la vida de un personaje. Por lo tanto el objetivo del arte del actor es la creación de la vida de un ser humano y la correcta expresión de sus sentimientos. Entonces lo más importante para actuar un ser es crear su vida espiritual y sentir emociones análogas a ella.
Lee Strasberg, que estudió y difundió el método Stanislavski completó diciendo que un actor es capaz de crear arte cuando está preparado para que cuerpo, mente, espíritu, pensamiento y verbalización son capaces de combinarse y formar una autentica expresión. Para esto debe llevar a cabo todo un proceso interno completo para que las palabras en el escenario sean lógicas y veraces. Decía Strasberg:

“El trabajo del actor descansa en dos áreas: la habilidad para crear de manera consistente la realidad y la habilidad para expresarla (...)”

Desde el punto de vista psicológico existen dos clases de actores: los que salen al escenario y al mismo tiempo que continúan siendo ellos mismos se introducen en el personaje, mientras que hay otro tipo de actores que para actuar libremente en el escenario necesitan saberse protegidos antes por una máscara. Los dos tipos son correctos y su elección depende de las necesidades psicológicas del actor.
El actor comienza por la creación interna para así transformar la externa e internarse en el medio así como en los espectadores, siendo ellos los que comienzan una indagación de manera autónoma, así pues ambos son los participes de la creación.

Sin embargo la imagen del actor se ha ido degenerando a través del tiempo, el cine fue el primero que comenzó a perturbar a ese ser que hasta entonces solo tenía como medio el teatro. Después vinieron la radio y la televisión que terminaron por transformar a el actor de un ser humano vivo y en acción en un espacio, en una imagen reproducible, industrializable y comercial. Entonces el actor comenzó a valer más o menos, según su capacidad para vender una imagen fílmica o televisiva.
El actor se ha estado convirtiendo en instrumento valioso de una industria de entretenimiento popular. Esto vuelve el éxito del actor independiente de su talento, con lo que se ha creado la idea generalizada de que cualquiera con un mínimo grado de preparación puede ser actor, e ignoran que un verdadero actor debe pasar por un riguroso proceso de preparación.


Para algunos teatristas como Edgar Cevallos uno de los principales errores de las escuelas de enseñanza actoral en México es tratar de formar desde un principio actores “para todo”, que igual se desenvuelvan en cine, televisión y teatro, olvidando que los medios expresivos cara a cara y cara a cámara son distintos y ambos requieren de sus propios métodos a pesar de que el principio actoral sea el mismo.
Curiosamente los directores de cine comúnmente tienen cierto miedo de trabajar con actores provenientes del teatro: “Es que todos gritan y sobreactúan” se les oye decir a veces, al igual que muchos directores de teatro están convencidos de que un actor de cine solo tiene que poner la cara y la cámara hará lo demás. Para el cineasta Armando Casas las diferencias entre la actuación de cine y la de teatro se observan claramente en: la gestualidad, la mirada, los ensayos y el realismo.

Otro gran problema que tienen los aspirantes a actor en nuestro país, es su impaciencia por llamarse actores, que los lleva a tratar de desarrollar un arte superior al de sus facultades, lo que incrementa la falta de seriedad en éste y contribuye a la falta de rigor en la preparación del arte escénico, presentando un espectáculo que se muestra pobre en arte.

A medida que pasan los años es cada vez mayor la absorción del actor por la industria del espectáculo, y se van acercando un poco más a la “supermarioneta” añorada por Denis Diderot y Craig.



1 EL TEATRO como texto, como espectáculo Contra los espectáculos . “Tertuliano: Apologética” de Richard Salvat

2 Diderot: La paradoja del comediante









CAPÍTULO 2
ESCUELAS DE ENSEÑANZA ACTORAL EN LA CIUDAD DE MÉXICO.



Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT)


La Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) se encuentra dentro del Centro Nacional de las Artes (CENART) ". Los fundadores de la Escuela fueron, entre otros, los poetas Xavier Villaurrutia y Salvador Novo, así como Clementina Otero quienes pertenecían al grupo de "Los Contemporáneos", y habían fundado el "Teatro Ulises".

En 1946 es inaugurada la escuela y, en 1949, abre una nueva carrera que contempla otro de los aspectos teatrales: la escenografía, convirtiéndose en la primera escuela en Latinoamérica que imparte dicha especialidad. Finalmente, en noviembre de 1994, se integra a las instalaciones del Centro Nacional de las Artes.

Según la opinión de integrantes de la propia escuela, su fundación respondió, en el momento de su fundación, a una necesidad de formación actoral organizada, ya que hasta ese momento la profesionalización de un teatrista estaba enfocada a la práctica misma del “oficio”.

2 Proyecto académico y estudios que ofrece

Su objetivo es “formar profesionales del teatro a nivel licenciatura en las carreras de actuación y escenografía, ambas de cuatro años de duración, a través de un sistema de enseñanza basado en la experimentación continua y en la práctica del quehacer teatral. Dicha práctica demanda, cada vez más, profesionales completos, creativos y preparados para desenvolverse en un medio exigente y difícil.”


Licenciatura en Actuación
Nivel: Superior
Duración: 8 semestres
Turno: Mixto
Lunes a viernes de 10:00 a 19:00 hrs.

Licenciatura en Escenografía
Nivel: Superior
Duración: 8 semestres
Turno: Mixto
Lunes a viernes de 12:00 a 21:00 hrs.
Para ambas carreras (Actuación y escenografía) se requiere disponibilidad horaria, para realizar diversas actividades extra clase, como asistencia a eventos teatrales, conferencias, investigación, etc.

Requisitos Específicos:

Licenciatura en Actuación:
Edad máxima de ingreso: 30 años cumplidos al 1° de septiembre del año en curso.
Promedio mínimo de 7.5 (Certificado de bachillerato concluido).
Aprobar exámenes de admisión en las diferentes etapas.
Exámenes médicos:
a) Examen médico general obligatorio para la primera etapa (el formato será entregado en la escuela).
b) Ortopédico.*
c) Foniátrico.*
* Se aplicarán a los aspirantes que pasen a la tercera etapa, quienes deberán cubrir el costo de los mismos.

Plan de estudios:

El plan de estudios comprende tres fases: Introductoria, Sustantiva y de Especialización

Fase introductoria: dos semestres

Esta fase está diseñada para que el alumno adquiera las herramientas teóricas y técnicas básicas de su trabajo y reconozca las habilidades esenciales que lo acerquen a las disciplinas teatrales, haciendo énfasis en la investigación y la autoformación. A continuación enlistamos algunas de las materias que comprende esta fase:

-El actor y sus herramientas
-Técnica básica de la danza
-Educación de la voz
-Técnica de movimiento corporal
-Historia del teatro
-Construcción dramática
-Cultura integral (apreciación estética).


Fase sustantiva: cuatro semestres

En esta etapa se plantea y estudia un amplio panorama de tendencias, estilos, concepciones, métodos y técnicas que enriquezcan el lenguaje teórico práctico del actor, conduciéndolo a la construcción de personajes y a la experimentación en las formas de crearlos, así como a la realización de prácticas escénicas.
Algunas de las materias que se imparten son:

-Carácter y acción (actuación)
-Técnicas de movimiento corporal: acrobacia, pantomima, danza, esgrima
-Historia del teatro
-Taller de práctica escénica (actuación)
-Música y canto


Fase de Especialización: dos semestres

Se propicia el dominio de los conocimientos y destrezas de la profesión actoral. El alumno debe trabajar en una puesta en escena coordinada por un docente-director profesional, realiza un trabajo de investigación, así como su servicio social. Algunas de las materias son:

-Taller de puesta en escena
-Coreografía y movimiento escénico
-Asesoría técnica vocal
-Metodología de la investigación
-Seminario de producción
-Taller de concentración complementaria

Mapa curricular de la carrera completa:

-El actor y sus herramientas
-Carácter y acción
-Construcción del personaje
-Taller de puesta en escena
- Técnica básica de danza
- Danza contemporánea
-Coreografía y movimiento escénico
-Técnica de movimiento corporal
-acrobacia
-luchas escénicas
-pantomima
- Educación de la voz
-Interpretación verbal I (prosa)
-Interpretación verbal II (verso)
-Expresión verbal
-Asesoría técnica vocal
-Música y canto
- Construcción dramática
-Elementos básicos del drama
- Introducción a la metodología de la historia del teatro
-Introducción al teatro contemporáneo
-Historia del teatro
- Aplicación integrada
-Taller de práctica escénica
-Metodología de la investigación
-Seminario de producción y mercado laboral
-Cultura integral (apreciación estética)
-Taller de concentración complementaria


Perfiles generales de ingreso (información proporcionada a los aspirantes por la ENAT)


Es fundamental que los jóvenes interesados en ingresar a la ENAT consideren que en esta escuela recibirán una formación académica y artística integral que les ayudará a enfrentar su profesión. Es por ello que, aquellos que se comprometan a estudiar en esta escuela y dedicarse profesionalmente al teatro, deberán de contar con intereses artísticos en general, en la literatura dramática y el hecho escénico en particular, además de una gran disciplina y capacidad para el trabajo en equipo. En el caso de actuación, además, deberán reunir habilidades de expresión y comunicación corporal, gestual, vocal y escénica. Los aspirantes a Escenografía deberán reunir habilidades en el campo de la comprensión del espacio teatral y la capacidad de traducirlas en el diseño y construcción de escenarios para diversas manifestaciones artísticas y espectáculos.

Para entrar a la ENAT se requiere:

Vocación definida
Interés en dedicarse profesionalmente al teatro
Disponibilidad de tiempo completo para sus estudios.
Intereses claros hacia las áreas culturales y artísticas, y hacia el teatro en particular.
Disciplina y capacidad para trabajar en equipo
Habilidades de expresión y comunicación, de acuerdo a la carrera elegida.

La ENAT puede recibir un número limitado de alumnos de primer ingreso debido a que el hecho escénico, a pesar de realizarse en grupo, requiere para su enseñanza de un proceso individualizado. Por ello los aspirantes deben saber que, aun con aptitudes y vocación definida, pueden no ser admitidos al no superar alguna de las etapas de las que consta el proceso de admisión, el cual tiene dos semanas de duración aproximadamente.

Dicho periodo inicia con la presentación de la documentación requerida en las fechas marcadas para tal efecto. Es importante señalar que no hay excepciones ni trámites extemporáneos y que el número de folios es limitado, tanto para Actuación como para Escenografía, por lo que es imprescindible acudir oportunamente para recibir el folio y poder presentar los exámenes de admisión.

Los exámenes de admisión se aplican durante varias etapas en las que se va seleccionando los aspirantes que finalmente ingresarán a la ENAT. En ambas carreras se realiza un examen psicométrico y otro de conocimientos generales, con especial énfasis en los campos cultural, artístico y teatral. A continuación, en el caso de Actuación, un conjunto de especialistas evalúa a los aspirantes, en pequeños grupos, respecto de las capacidades expresivas. Se requiere también que a los aspirantes se les aplique un examen ortopédico. A partir de la segunda etapa se aplican pruebas de capacidades expresivas, voz y movimiento corporal. En esta etapa los aspirantes también presentan un examen foniátrico.
En lo que respecta a Escenografía, tras el examen de conocimientos generales, se aplican evaluaciones de las capacidades creativas y entrevista individual. Todas estas pruebas son realizadas por un grupo de maestros de la escuela, de amplia trayectoria artística y experiencia en la pedagogía teatral, cuya decisión es inapelable.





Visita a la ENAT:

Visitamos la ENAT ubicada en el Centro Nacional de las Artes (CENART) y en general observamos alumnos de todo tipo, desde los que tienen puntos de vista inclinados hacia lo comercial hasta los que objetivos mas profundos.
En general los alumnos sienten que la ENAT tiene su mayor ventaja en que es una licenciatura además de que su enseñanza es como un equilibrio entre lo teórico del Colegio de Literatura Dramática y Teatro y la educación física del CUT que creen es hacia lo que se enfocan más las dos escuelas. Encontramos en los alumnos es la nefasta burocracia que predomina en los trámites de la escuela.
Al entrevistarlos nos percatamos de que la mayoría de ellos no tenían muy claro lo que es el teatro para ellos, aunque creemos que todo lo que digan es muy válido, pero el hecho es que no tenían ideas muy claras. Una buena parte de nuestros entrevistados lo veían únicamente como herramienta de entretenimiento. Otros mencionaron el que es “un motor para el cambio” y tocaron ideas interesantes (la minoría) los demás evadían preguntas contestando lo que no se les preguntaba.

La impresión que nos quedó es la de que hablan mucho diciendo poco, demasiado “choro”, que el titulo de actores les hace sentir cierta superioridad y pretenden aparentar saber mucho. Al preguntarles por qué estudian teatro casi la totalidad respondió cosas muy simples y convencionales.
Los alumnos con los que tuvimos contacto escogieron la ENAT para estudiar teatro principalmente porque les otorga una licenciatura, porque a su criterio es de las mejores escuelas ya que tiene un muy buen nivel, pero no sabían especificar el por qué. También encontramos algunas que la escogieron porque era la mas cercana a sus domicilios.
En el ambiente estudiantil percibimos un conformismo total.
Hablando sobre expectativas, para la mayoría se habían cumplido y hasta se habían visto rebasadas.
Las respuestas comunes al preguntar sobre sus objetivos al egresar de la ENAT es dedicarse al teatro, hacer proyectos propios y unos cuantos pretenden llevar teatro a provincia y a zonas rurales.
Al preguntar sobre el papel del actor en la sociedad solo unos pocos contestaban lo que se les preguntaba sin divagar en su confusión. Las respuestas comunes a esta cuestión fueron que el actor está para divertir y entretener o que depende del actor y sus objetivos personales. Hubo incluso un alumno que estaba realizando su tesina sobre este punto y extrañamente respondió que depende de la institución en la que haya sido formado el actor, ya que por ejemplo ellos al estar en una escuela perteneciente al gobierno su papel está en ser “actores del gobierno” (palabras dichas con mucho orgullo por cierto).

En el espacio de la escuela observamos un cuadro interesante, algunos alumnos leyendo, otros repasando libretos, unos ansiosos por entrar a clase y otros más que ni siquiera habían entrado a sus clases para poder platicar a gusto alrededor de las instalaciones. En fin una variedad curiosa de alumnos. Nos llamó la atención el hecho de que los veíamos caminar con una actitud de desinterés total y cuando les pedíamos la entrevista la transformaban por una más soberbia y orgullosa, dándonos respuestas algunos como de máquina que únicamente repite conceptos aprendidos.

No está de más mencionar que las instalaciones de la escuela son amplias y muy bellas, además de contar con una cafetería y un espacio amplio que da sensación de libertad.

Centro Universitario de Teatro.

El Centro Universitario de Teatro (CUT) tiene origen formal en 1962. Surge como resultado de movimientos anteriores dentro del quehacer del teatro.
En 1960, el Maestro Héctor Azar propuso la creación de un centro de investigación teatral, proyecto que condujo a la creación del CUT, que inició sus actividades en 1962 con sede en Sullivan 43. Durante más de diez años funcionó como centro difusor teatral.

En 1973, bajo la dirección del Maestro Héctor Mendoza, el CUT se reestructura a fin de conformarse como centro de capacitación actoral.
En 1981 pasa a ocupar su actual sede en el Centro Cultural Universitario. Durante todos estos años funcionó como departamento de la Dirección de Teatro de la UNAM.

Por acuerdo del Rector Carpizo de julio de 1988, el CUT se constituye como Centro de Extensión de la Coordinación de Difusión Cultural, y en el Acuerdo del Rector José Sarukhán de septiembre de 1989, se reestructura la Coordinación de Difusión Cultural y se señalan con precisión las funciones del Centro Universitario de Teatro, que ofrece la carrera de actor y contempla reintegrar a mediano plazo las carreras de dirección teatral, diseño de escenografía y vestuario y producción (impartidas de 1981 a 1985).

A partir de 1989, se procedió, con asesoría del CISE UNAM, a la elaboración del Plan de Estudios vigente para la carrera de Actuación. Es como parte del subsistema de la Coordinación de Difusión Cultural que el CUT ha podido cumplir con eficacia la formación de actores profesionales de alto nivel, ejecutantes que han transformado cualitativamente el quehacer actoral, promotores del fenómeno teatral y que han integrado a su actividad de ejecutantes la docencia artística; ha incidido en la extensión de la cultura teatral universitaria tanto intra como extramuros y ha empezado a generar proyectos de investigación, cumpliendo así con las tres premisas de la Ley Orgánica Universitaria. Ante la realidad cambiante, el CUT se ha propuesto “afirmar los valores que respecto a la conciencia del hombre en conflicto consigo mismo y con su entorno ha sustentado la tradición teatral universitaria como espejo de la nación que somos y de la identidad a la que aspiramos.”1

3 SERVICIOS GENERALES

El contar con un foro propio con equipo profesional y cupo aproximado para 95 personas, ha permitido al CUT ejercer de manera paralela la docencia y la producción escénica y, de esta suerte, ofrecer a la comunidad productos teatrales de

1 dgedi.estadistica.unam.mx/memo96/cut.htm
búsqueda y renovación artísticas. Igualmente, el CUT ha ido aumentando el acervo
de su biblioteca hasta 1,800 volúmenes especializados aproximadamente, y ha ampliado sus servicios atendiendo no sólo a alumnos del Centro sino de toda la comunidad universitaria estudiantil.

Por acuerdo del Maestro Gonzalo Celorio, la biblioteca del CUT lleva el nombre de Héctor Mendoza.

4 PLANES Y PROGRAMAS DE ESTUDIO

En virtud de la naturaleza y las características de la actividad actoral, un requisito indispensable que plantea el plan de estudios del CUT es la exigencia para el estudiante de disposición de tiempo completo que le permita cubrir una carga horaria de trabajo (8.4 horas promedio diario) durante cinco días a la semana (42 horas promedio semanal), en un proyecto formativo y de entrenamiento de diez semestres de duración (incluyendo el seminario de tesis y la puesta en escena de diplomación), con un cuadro de ordenación de asignaturas severo, ordenado en sentido horizontal como respuesta orgánica a las necesidades formuladas por el programa del área de actuación.

Los sistemas evaluatorios de este tipo de cursos de entrenamiento sólo admiten como forma de verificación el seguimiento de los procesos de ejercicio progresivo del alumno, que ha de manifestarse en una gradual ampliación de sus capacidades sensibles y físicas.

Gracias al apoyo de diferentes instancias universitarias como el Instituto de Investigaciones Sociales, el CELE y la Dirección General de Actividades Deportivas y Recreativas, el CUT ha integrado como docentes a especialistas como el Dr. Carlos Aguirre en lo que respecta a historiografía de los siglos XIX y XX, un equipo de filólogos coordinado por el Dr. Fernando Castaños que está a cargo de las materias de Español, y a los maestros José Sámano y Octavio Manso que enseñan artes marciales a los alumnos de los dos últimos años. Además de que el Centro cuenta con un destacado personal docente especializado en las áreas de actuación, cuerpo y movimiento, ortofonía, teatrología y producción.

5 EXTENSION UNIVERSITARIA

Mención aparte merece que, se instauró en el segundo piso del Centro, el espacio experimental "La rueca" foro que funciona a manera de los corrales isabelinos, ideado por el Maestro Carlos Trejo y que es desmontable. Esta característica permite dar al espacio un uso docente durante el día y un uso de espacio experimental durante los fines de semana.

El CUT se congratula de haber tenido la oportunidad de contribuir a la extensión de la cultura teatral universitaria; a lo largo de mas de mas de siete años la producción del Centro ha sido de 30 montajes (seis de ellos trabajos terminales de diplomación), con un promedio de 2,250 representaciones y una asistencia de más de 110,000 espectadores.

En lo concerniente a la proyección internacional, el CUT volvió a ser invitado al Festival Latinoamericano de Teatro Universitario de Ocaña, Colombia, en el que había participado en 1995 con la obra La historia del zoológico, de Edward Albee.

Requisitos:

-Curriculum Vite
-original de acta de nacimiento
-copia fotostática del CURP
-Copia fotostática de certificado de bachillerato.
5-Certificado de examen médico que considere la aptitud para realizar entrenamiento físico intensivo, entre otros.
-Seis fotografías tamaño infantil.
-Estudio de tres fotografías tamaño “still” dos en cuerpo completo y una de busto.
Pagar cuota. ($ 300.00 pesos)

Cabe señalar que sólo se atiende a 150 aspirantes para el proceso de selección y solo se aceptan a 15 alumnos.

Visita al CUT:

En nuestra visita al Centro Universitario de Teatro, dentro del Centro Cultural Universitario encontramos un ambiente bastante peculiar, ya que como se mencionó antes sólo se aceptan a quince alumnos por año, generando una sensación de relación mucho más intima que la de otras escuelas.
Encontramos en la mayoría de los alumnos opiniones poco interesantes sobre lo que representa el teatro, y las respuestas además de que estaban bastante pensadas (un alumno tardó incluso mas de 30 segundos en responder una pregunta, pidiendo nervioso, tiempo entre ellas para ver qué contestaba) eran respuestas bastante mecánicas, sin una mayor visión personal. La mayoría dice estar estudiando teatro por una satisfacción personal y por la posibilidad de transformación que éste representa en la sociedad. Casi la totalidad de ellos no tenía claro el por qué consideraba al CUT la mejor escuela y muchos estaban en él por efectos del azar. Otros escogieron el centro precisamente por ése trato mucho más personal que ofrece un grupo de 15 personas o porque creen que al salir de éste encontraran trabajo seguro.
Respecto al papel del actor en la sociedad encontramos opiniones que el actor debe lograr una transformación aunque sea mínima en la sociedad, tocando sus fibras nerviosas y expresando lo que la gente no puede o no se atreve en la vida real.
Tuvimos la fortuna de poder asistir a un examen del Centro, en el que reafirmamos en parte lo que pensábamos anteriormente: el CUT se enfoca mucho más hacia lo físicamente expresivo que hacia una técnica vivencial basada en emociones reales.
Posteriormente hablamos con el actual director del CUT, el actor y director Antonio Crestani, quien nos habló orgulloso de la reciente construcción de un edificio anexo con la biblioteca del centro, además de un teatro más. En su opinión el CUT la mejor o de las mejores escuelas de actuación en la ciudad de México, común plan de estudios que enfrenta al actor todo el tiempo con una preparación física, mental, musical y literario para lograr un mejor desempeño en escena. Para él los actores del CUT salen excelentemente preparados, tanto que aunque la educación en el centro está enfocada hacia el teatro, pueden trabajar correctamente en cine, radio y televisión.

Ubicación:
Centro Universitario de Teatro (C.U.T.) Av. Insurgentes Sur 3000
56227104 y 56227101




























Colegio de Literatura Dramática y Teatro.

Breve historia del colegio.

En 1935 con la presentación de la comedia "Peri bañes y el Comendador de Ocaña" bajo la dirección de Fernando Wagner, la carrera de Literatura Dramática y Teatro tuvo su más remoto origen dentro del plan de estudios de Letras Españolas de la Facultad de Filosofía y Letras.

La incorporación de cuatro materias de teatro: Historia del Teatro Universal, Teoría y composición dramática, Actuación y Técnica teatral, provocó la incorporación de maestros, dramaturgos, críticos, actores, productores y directores teatrales que posteriormente establecieron el Departamento de Arte Dramático.

A partir de ese momento los cambios han sido constantes, académica y administrativamente pero fue hasta 1988 con su Nuevo Plan de Estudios que el Departamento de Literatura Dramática y Teatro pasa a constituirse en Colegio de Literatura Dramática y Teatro.

Contexto social.

La carrera según la Facultad de Filosofía y Letras, que da albergue al colegio, “responde a la necesidad social de formar los profesionistas que se requieren en el área de la literatura dramática y teatro, para los medios de comunicación masiva y las instituciones educativas y culturales del país.”

Debido a su cambio de estudios,. Se relaciona con todas las disciplinas humanísticas y artísticas, entre éstas la literatura, la historia, la filosofía, la pedagogía, la sicológica, la sicología, así como la arquitectura, la pintura, la música, las artes plásticas, la danza, etc...

Su trabajo se dirige a la creación y difusión del arte teatral y la cultura, por lo que al desempeñarse como promotor, dramaturgo, crítico, director, actor o docente, la sociedad en general recibe un beneficio de manera directa.

Definición de la carrera.

La licenciatura en Literatura Dramática y Teatro tiene por objetivos desarrollar en el alumno habilidades que le permitan tener la capacidad de crear, actuar, dirigir, organizar, enseñar, escribir y difundir el arte teatral. Mediante el análisis y la experimentación, de acuerdo al área en que se especialice, recrea la realidad circundante a través del fenómeno teatral con el fin de buscar la transformación de la sociedad.

En esta Licenciatura se forman profesionistas en el arte de la representación, quienes se desempeñan en áreas como la docencia, crítica dramática, dirección, dramaturgia o la actuación.

Nombre de la Carrera :
Literatura Dramática y Teatro

Título que se Otorga :
Licenciado en Literatura Dramática y Teatro

Facultades y Escuelas, Duración y Modalidad de los Estudios
Facultad de Filosofía y Letras
8 semestres en Sistema Escolarizado

El plan de estudios cuenta con un tronco común de cuatro semestres. En el quinto semestre, el alumno elige entre las especialidades siguientes: Actuación, Dirección y Dramaturgia.
Las asignaturas son seriadas; sin embargo, existe una flexibilidad relativa para que el alumno avance en sus estudios.


Ejercicio profesional.

De acuerdo con el área a la que se dedique, el profesional egresado de esta carrera trabajará en equipo, en difusión cultural, actuación o dirección; o en forma individual en dramaturgia, crítica o investigación.

El mercado de trabajo es variado, de entre las actividades que destaca el propio CUT están:: elaboración y/o adaptación de textos dramáticos y literarios, elaboración de guiones y argumentos, diseño de programas de radio y TV, crítica de escena, actuación, asesoría literaria, docencia, etc.

El campo general de su actividad profesional, es la literatura dramática y el teatro, dentro de éste podrá atender de manera interdisciplinaria sectores tales como: investigación literaria, representación teatral, educación comunicación masiva, difusión cultural, recreación, etc.

La mayoría de los egresados se inician en el campo de la docencia, en los niveles de enseñanza media y media superior donde imparte clases de Español, Talleres de Teatro, Literatura, Redacción y actividades estéticas en general.

La difusión de la cultura la lleva a cabo en organismos públicos y privados, relacionados con la educación y la cultura, a través de los medios de comunicación masiva. En las áreas de dirección, actuación y en la especialidad de dramaturgia, también colabora con estos medios, así como en grupos teatrales independientes.

Es importante hacer hincapié en que las posibilidades de trabajo son limitadas, debido a que existe una excesiva demanda y el mercado de trabajo es muy competido, lo que limita las opciones para los egresados.

De acuerdo con la especialización que elija, realizará diversas actividades como:

- Elaboración y/o adaptación de textos dramáticos y literarios, guiones y argumentos.

- Docencia.

- Crítica teatral y cinematográfica.
- Dirección de escena.
- Diseño de programas de radio y televisión.
- Actuación.
-Asesoría literaria.
-Difusión cultural.
-Investigación.

En el desempeño de su trabajo hace uso de técnicas de redacción, investigación y análisis de material documental y literario, para elaborar y adaptar guiones y argumentos para diversos medios de comunicación, además de contar con las de carácter práctico necesarias en el desenvolvimiento y dominio escénico.

Perfil del aspirante.

En términos generales, es conveniente que el aspirante a esta Licenciatura cuente con:

- Gusto por el arte escénico.
- Interés hacia la cultura en general.
- Aptitud para las disciplinas humanísticas.
- Afición por la lectura.
- Facilidad para el manejo del lenguaje oral y escrito.
- Capacidad de análisis y síntesis.
- Experiencia en grupos o talleres teatrales.
- Sensibilidad.
- Creatividad.
- Buena memoria.
- Buena salud física y mental.

Adicionalmente existen aptitudes y características específicas deseables, de acuerdo con el área de especialización que elija, y son:

· Área de Actuación.

- Aptitud fonética, buena coordinación visomotora y capacidad auditiva.
- Habilidad para analizar caracteres y/o personajes.
- Creatividad e imaginación.
- Capacidad de representación y desenvolvimiento ante el público.
- Facilidad para la expresión corporal y facial.

· Área de Dirección

- Gusto por el arte escénico.
- Amplia cultura.
- Capacidad imaginativa.
- Buenas relaciones interpersonales y capacidad de mando.
- Sentido de organización y orden.

· Área de Dramaturgia.

- Facilidad para expresarse a través de la escritura y desarrollo de la imaginación.
- Creatividad y sensibilidad.
- Interés por las ciencias sociales y humanísticas.
- Afición por la lectura.
- Capacidad de análisis, síntesis y evaluación.

6 REQUERIMIENTOS DE LA CARRERA

Según la el colegio, “el estudio de la carrera implica gastos respecto a material didáctico especializado cuyo costo es elevado; de equipo y ropa adecuada para la realización de prácticas de actuación, dirección o producción; viajes de prácticas al interior de la República, además del tiempo necesario para la realización de ensayos de exámenes prácticos.”

Ubicación: Facultad de Filosofía y Letras. Ciudad Universitaria.




Actores del Método
Lee Strasberg (Polonia 1901-Estados Unidos 1982), fue una figura esencial en el desarrollo y modernización del modo de actuación. Él se interesó por los conceptos actorales de Konstantin Stanislavski y a partir de allí, definió en su momento las bases de la técnica actoral que denominó “El Método”
En El Método se enseña una técnica actoral que se puede apreciar en la siguiente frase: ''Primero recuerdo lo que una vez sentí. Profundizo en mi memoria hasta rescatar el sentimiento que determinado hecho me produjo, y lo reproduzco en mi interior. Lo sufro o lo gozo de nuevo, me excito o estimulo otra vez a partir del recuerdo y finalmente coloco sobre el escenario una conducta auténtica y, por tanto, creíble".
A lo largo de su vida Strasberg sistematizó dichos conceptos con la intención de ''proporcionar a los actores estrategias accesibles que los llevaran a acumular la realidad en circunstancias imaginarias". En su libro A dream of passion explica: ''Es el entrenamiento consciente de los sentidos para dirigirnos a un inconsciente creativo". Es una técnica que se basa en la ''memoria emotiva" y en su proyección ''de adentro hacia afuera".
Se trata de producir sentimientos auténticos extraídos de nuestra memoria o de nuestras vivencias personales.
Strasberg -con Elia Kazan- fundó en 1948 una de las más importantes escuelas de actuación, el Actors Studio, por donde pasaron Marlon Brando, Al Pacino, Marilyn Monroe, Dustin Hoffman, Robert de Niro, y Anthony Hopkins, por mencionar algunos. Y entre ellos el mexicano René Pereyra.
Él enseñaba que la naturaleza humana del actor no sólo hace posible su grandeza, sino también es la fuente de sus problemas. Y además que otros artistas son libres de crear en el sentido de que la inspiración puede llegar de manera espontánea, incluso de manera accidental; esos artistas pueden esperarla, pero un actor no. “Nosotros no podemos darte el talento, pero vamos a forzarte a que vivas del talento que tienes", son algunos de los conceptos y frases que el creador escénico compartía con colegas y alumnos.
En la década de los años treinta existía el Taller de Drama de la Nueva Escuela de Nueva York, dirigida por Erwin Piscator, hombre de gran prestigio en teatro alemán, que junto con Stella Adler estudió con Stanislavski en el Teatro de Arte de Moscú. Ellos fueron los encargados de llevar esta técnica a Estados Unidos y de enseñársela a los miembros del llamado Teatro Grupo, compañía de actores, escritores y directores cuyo objetivo era construir una alternativa al teatro comercial de Broadway
La preocupación tanto de Strasberg como de Stella Adler (quien era el verdadero espíritu del Taller de Drama de la Nueva Escuela) fue lograr que los actores pudieran escapar de las formas y convenciones planteadas por el cine clásico de los años treinta y cuarenta. Ambos lucharon para que los actores fueran capaces de romper con los clichés y lograr un modo de actuación más verosímil. Sus preocupaciones también fueron la verdad en la actuación y la identificación del espectador. La consigna central fue que el actor fuera capaz de usar sus emociones y de exteriorizar su sensibilidad oculta. De esta manera se logró desterrar de la interpretación cinematográfica los viejos vicios de la declamación y la exterioridad teatral (es decir, que los actores expresen emociones no sentidas).
Para muchos, Strasberg fue un ''maestro sin igual, que practicaba lo que predicaba", pues también laboraba como actor. Estuvo postulado al Oscar por su participación en El Padrino II.
Sin embargo, para otros, como Marlon Brando, uno de sus alumnos, considerado de los mejores actores de todos los tiempos, El Método fue una expresión popularizada y mal empleada por Strasberg, quien carecía de méritos para la enseñanza -asevera-, pues Stella Adler y Elia Kazan, ellos sí enseñaban el arte de la actuación.


Para René Pereyra el trabajo de Lee Strasberg no se puede reducir a un “método” porque “la calidad de su enseñanza nace de su compromiso personal y de sus grandes cualidades humanas”, de ahí que el enfoque de su conferencia sea del “método” como una filosofía de vida. René Pereyra , tras su años en el Actor´s Studio, del que es miembro, regresa a su país natal, México en 1985 y funda la Compañía Actores del Método A.C., con la finalidad de difundir dicha técnica de Actuación. Actores del Método funcionó siempre como una asociación teatral independiente, convirtiendo el pequeño espacio escénico que estaba a disposición del grupo: “Foro Actores del Método”, en un sitio alternativo dentro del panorama teatral de la ciudad de México. Con esta Compañía, Pereyra participó en Festivales y encuentros de países de América Latina y Europa. En 1999 René Pereyra decide trasladarse a Los Ángeles, donde reside actualmente, y donde sigue impartiendo sus clases y compaginando su trabajo como director, actor y escritor. Sin embargo el trabajo de Pereyra fue seguido por sus alumnos, Javier Rivas, Natalia Traven y el actor y director Raúl Farell, quien desde entonces ha impartido el método en un taller de duración indefinida, actualmente en el foro Luces de Bohemia.
Tuvimos la oportunidad de platicar con algunos alumnos que estudiaron “el método” y su visión sobre el teatro era generalmente la de una manera de expresión en la que creas fantasía dentro de la realidad, estudiaron teatro porque es una manera de ampliar tu visión ante la vida, de llegar a ser un gran ser humano y porque representa la oportunidad de vivir lo que en la vida cotidiana no está a tu alcance.
Es interesante observar que la mayoría de los actores que estudian el método se han enamorado de ésta técnica, y es aquí cuando nos percatamos de la paradoja del método, ya que –como nos expresó el actor Jorge Hernán- ese enamoramiento, a veces se convierte en un tipo de religión en la que se considera al método una técnica de actuación mesiánica, la única que hay y fuera de la cual too es sobreactuación. Es por esto que para poder estudiar el método correctamente hay que estar bien proveídos de humildad, para que el método se convierta en lo que es: un acto de amor.

Actualmente El Método se puede estudiar con el director Raúl Farell o con Javier Rivas en el Foro perteneciente a Silvya Pasquel en un taller de 9 meses.
O bien se puede tomar el taller “El método de Strasberg” con Natalia Traven, quien estudió directamente en la escuela de Nueva York, en la escuela de actuación de Patricia Reyes Espíndola.

Informes:
Raúl Farell 04455 20 73 05 77
Javier Rivas 56040137























CONCLUSIÓN

Conforme le vamos dando sentido a las cosas y en la medida en que vamos avanzando con cierta conciencia, al mirar colores no existentes o al detenernos en cotidianos momentos comenzamos con la creación del arte.
Así pues, a través de él comenzamos con el envolvimiento del teatro como cuando una madre amamanta a sus hijos, el crecer en su manto sin darnos cuenta hasta ir encontrando esto que llamamos arte. El Teatro es encontrarse navegando en un mundo donde se van abriendo ventanas y logras transportarte en cada una de ellas con el contacto de la erupción de cada partícula, el sentirla permite sentirnos, el teatro desgarra nuestro ser para poder conocernos más profundamente y así conocer el mundo, al igual que en el momento que modificamos y conducimos la vía de nuestros actos o nos detenemos en pequeños instantes que al ir concluyendo los hemos ya construido y así nos vamos situando en una construcción continua, en un choque continuo, en una erección continua, en una sangrienta búsqueda continua, en un mundo que todo el tiempo está en movimiento.

En la experiencia que tuvimos en las distintas escuelas de enseñanza actoral descubrimos que cada una se enfoca en algo distinto, pues cada persona tiene metas y objetivos distintos en la vida, dependiendo de ello debe ser su elección de escuela.

El CEFAC y el CEA por ser de televisión y medios de difusión influyentes en nuestra suciedad, digo, sociedad, es una especie de enseñanza inclinada a lo externo y meramente superfluo, las personas que ingresan llegan con el mayor objetivo de ir directos a la fama y las expectativas al egresar son estar dentro del mundo comercial, para así cumplir el objetivo inicial de ser famosos. Existe una cierta mitomanía dentro de ese ambiente para no sentirse actores de plástico completamente, al igual que se sienten superiores por llamarse “actores”, además de que no aceptan a cualquiera en éstas, pues deben cumplir sus estereotipos y sometimiento a ese ambiente de burocracia y banalidad disfrazada.

En el CUT se inclinan a lo que es expresión corporal, el ambiente es mas apasionado, pues es de grupos muy pequeños y es una enseñanza mas personalizada, ésta es muy elitista y les meten que tendrán trabajo seguro por que es la “mejor” escuela según ellos. Es un conocimiento y conciencia de ti mismo y dominio de tu cuerpo.

En la ENAT también se inclinan a la formación como actores, sólo que tratan de equilibrar con bases teóricas, la ventaja que aparentemente puede tener es que es Licenciatura y pertenece al gobierno, por lo tanto no tienen mucho problema en la luz eléctrica, las instalaciones son bastante amplias y cómodas, la desventaja es que la burocracia es excesiva.

En la Casa del Teatro, de Luis de Tavira, el ambiente es fresón pero existe diversidad de personas, las instalaciones son bellas, con gran arquitectura, su base es teatro del cuerpo pero llevan materias teóricas bien distribuidas, el último año de la carrera lo haces en el internado de Michoacán que tiene un año apenas, pero es objetivo es aislarte de la civilización para así encontrar un acercamiento con tigo mismo.

En el Foro de Teatro Contemporáneo, de Ludwik Margules existe una conciencia mas emocional y conciente de lo que es arte y es una enseñanza amplia, el ambiente es más íntimo y sin tanta rigurosidad como en otras, aunque actualmente se encuentre en un desajuste por la salud del director.

En la UNAM la carrera de Literatura Dramática y Teatro existe una enseñanza mas apoyada en lo teórico que en lo práctico, el ambiente se nota algo apático, pero cada quien está en concentrado en lo que le interesa, aunque no exista en la enseñanza la concentración en algo particular, sino es mas general.
En Actores del Método la técnica usada está totalmente enfocada hacia lo emocional, sentir lo que está sintiendo el personaje para poder expresarlo con verdad en un escenario, es una técnica realista considerada como “una filosofía de vida.”. Sin embargo por ser una técnica polémica no ha tenido en nuestro país la relevancia que tiene en el resto del mundo ya que ni siquiera hay una escuela establecida con éste método, por lo que los alumnos no obtienen una certificación oficial que avale sus estudios.

En general descubrimos que quizá no exista la escuela que satisfaga todos los aspectos, pero según las perspectivas de cada quien alguna le convencerá, aunque creemos que alguien que realmente se haya decidido a entrar a estudiar Teatro y lo ambicione no necesitará mejor escuela que la que uno mismo se hace, pues hay que estar en constante estudio y práctica.

En la mayoría de los alumnos encontramos que no ambicionan tanto y se conforman con lo que les proporciona la escuela, fueron contados los que percibimos críticos.
Nos dimos cuenta de que la grave situación en las escuelas de enseñanza actoral es un factor determinante de la crisis del Teatro en México, pues ellas son el núcleo de donde surge el arte teatral, las cuáles no satisfacen todos los aspectos y egresan estudiantes mediocres. La gran mayoría de alumnos no sabía exactamente lo que estaba estudiando ni el por qué, es como la demagogia en forma de humanos. Es situación crítica que los estudiantes de actuación no tengan conciencia de ellos mismos, aunque no es en todos, si lo es en el mayor porcentaje.
Algunos estudiantes podrán buscar el Teatro artístico, en el cuál quizá buscaran una visión profunda o distinta, con diferentes iniciativas, dejando algo en cada uno de los espectadores; y otros el Teatro comercial donde buscarán la fama, el dinero, entretener o divertir a la sociedad, con fines lucrativos. La elección depende de cada individuo de manera independiente, como lo que somos, seres con entes creativos diversos.

En estos tiempos de demagogia y búsqueda de identidad, en nuestro país cada ser humano busca un apoyo o refugio en nuestro entorno para así lograr un acercamiento consigo mismo. Estamos rodeados de crisis de distintos tipos (económica, política, social y cultural), donde el país no ve la luz para salir de esta crisis decadente y el único apoyo que encuentra en la sociedad influida por los medios de comunicación es la enajenación (forma de evasión) en la idotez, los reality show, en los programas sin sentido y banales telenovelas. Es una forma de tener controlada y manipulada a la población generando la apatía y el conformismo con mayor intensidad, donde llegamos a acostumbrarlo y a pegarlo a nuestros descendientes sin interesarnos nada mas que el puro entretenimiento, es una falta de cultura a la que nos llega a ser indiferente y simplemente sobrevivimos entre la tempestad olvidándonos de vivir y nos sentiremos atraídos por cualquier espectáculo.

Hoy nosotros nos encontramos frente a una lucha constante en el que el Arte es un medio de expresión y directamente el teatro será un enfrentamiento con nuestra realidad.
Por todo esto pedimos que los que estén interesados en estudiar actuación estén realmente concientes y seguros de lo que quieren y de lo que significa ser un actor, porque de los otros son bastantes y se necesita gente apasionada en este mundo.



Los autores.

Ana María Aparicio y Guillermo Amador